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Tzompantli de Arte Popular; imaginación y diseño

por | Nov 2, 2020

El capitalino platicó con Julio César Martínez, gerente general de la Galería Yawi, un espacio de exhibición y comercio justo que apoya y difunde el trabajo de artistas, elaborado con técnicas de arte popular directamente de las manos de grandes maestros de tradición, con motivo de su reciente exhibición.

Galería Yawi

El Capitalino: En el marco de actividades de la 48 edición del Festival Internacional Cervantino, se presenta la muestra «Tzompantli de Arte Popular; imaginación y diseño» en el Museo José y Tomás Chávez Morado ¿Julio podrías platicarnos de que se trata esta muestra?

Julio César Martínez: Sí claro,el Tzompantli en el México prehispánico es un muro de cráneos dispuestos como una ofrenda a Huitzilopochtli y a partir de esa idea nuestra propuesta crea un imaginario de 70 piezas originales que representan cráneos realizados con las técnicas de arte popular más representativas, por manos de maestros artesanos de gran calidad. Es la tercera edición de esta muestra y ha tenido un muy buen recibimiento. La exposición en el corazón de Silao, Guanajuato respeta las medidas de protección sanitaria, lo que hace un recorrido seguro que estará instalado desde el 14 de octubre y hasta el 31 de marzo de 2021.

E.C: ¿Quiénes son los creadores que están detrás de cada pieza?

J.C.M: Artistas que han desarrollado desde hace mucho tiempo y con gran maestría piezas con una técnica en particular. Trabajamos con algunos de los talleres más importantes como el Taller de Jacobo y María Ángeles, con el maestro Adolfo Escudero de Olinalá, Talavera Celia, piezas de arte Huichol del maestro Santos Montoya, Gregorio Barrio que vienen de Jalisco entre algunos más.

E.C: ¿De dónde surge el interés de promover las técnicas artesanales?

J.C.M: Fielmente, creemos que la cultura es el recurso más grande que tiene México, difundir el arte popular mexicano es vital.  En otras partes del mundo la gente está ansiosa por consumir referencias culturales de México y nuestro principal interés es otorgarles lugares que dignifiquen las piezas, un espacio de exhibición digno del trabajo tan elaborado además de toda su cosmovisión. Queremos dignificar al arte popular mexicano.

E.C: ¿Cuál es su filosofía del trabajo creativo colectivo ante uno individual?

J.C.M: Es fundamental, tan solo en la línea de producción de los talleres una sola persona no puede hacer un trabajo muy grande o muchas piezas. Al final la propuesta de estos talleres es darles trabajo a las personas que viven en la comunidad, ir perfeccionando la técnica y seguir produciendo.

E.C: ¿En qué consiste un trato justo con el creador y toda esta organización que ha creado Galería Yawi?

J.C.M: A través de la venta creamos un programa llamado «superarte» que es un programa de becas que trata de apoyar al desarrollo artístico. Consiste en un sistema de doble paga: cuando una pieza se vende una primera paga es el monto marcado y luego hay un segundo pago que se otorga para comprar materiales para hacer otra nueva pieza, becas para el primogénito de la familia y apoyos en donativos, entre otros.

E.C: La principal distancia que existe entre el arte y la artesanía consiste en su reproductibilidad, la artesanía es un objeto que se produce en serie y con ello pierde gran parte de su plusvalía.

J.C.M: Así es, que los artistas se dediquen a desarrollar una pieza de mayor calidad en lugar de varias piezas pequeñas -aunque eleva la dificultad para venderse- significa el despliegue de una pieza más elaborada que implica el desarrollo creativo del artista y su proyección. Cuando el artista sabe que tiene un cliente potencial la inspiración y su esfuerzo se vuelva más grandes y los resultados son increíbles.

E.C: ¿Cuáles son algunas de las técnicas que podemos ver en la exhibición «Tzompantli de Arte Popular; imaginación y diseño»?

J.C.M: Piezas en su versión en cráneo de barro rojo de Metepec de los muy conocidos «Árboles de la vida», de las piñas verdes de barro de vidriado de Michoacán, de las velas escamadas de Hidalgo, la talavera poblana que en los setentas y ochentas tuvo un buen auge, el barro negro de Oaxaca, el lacado de Olinalá, entre otras.

E.C: Dentro de estas técnicas que mencionas, ¿hay alguna en particular que corre un riesgo de extinción por el desuso, la dificultad de su elaboración o la obtención de materiales?

J.C.M: Me atrevería a decir que la gran mayoría corre ese riesgo, los factores son múltiples como el desapego del trabajo, la globalización, la falta de recursos, temas políticos. Tan solo la segunda denominación de origen que tenemos después del tequila, es la caja de Olinalá que está en riesgo de perder esta denominación. Lamentablemente las nuevas generaciones no conocen todo el arte que hay en México, no saben de dónde viene, el nombre de las comunidades, no conocen el arte mexicano mientras en otras partes del mundo es bien aceptada. El rezago cultural ocasiona pérdidas muy importantes en esta parte.

E.C: Hablamos entonces de utilizar técnicas de arte popular; artesanías que los habitantes de las comunidades indígenas han hecho durante siglos y conducirlos a un discurso propio en donde el artesano crea un nuevo discurso a partir de esas técnicas.

J.C.M: Si, ya no sólo es la cajita que tenía la abuelita de alhajero, son piezas nuevas, innovadoras que están saliendo de la cabeza, de la inspiración. Una cosmovisión que se moldea con la destreza para concluir en piezas muy bellas y únicas donde los creadores ya pueden reclamarse como verdaderos artistas, como nuestros Van Gogh o Picassos de la época moderna. No estamos viendo piezas de una cultura muerta sino de una contemporánea haciendo mucho hincapié en la conservación etnográfica valorando los procesos tradicionales.

E.C: ¿Que se necesita para evitar otro episodio tan vergonzoso como el que se suscitó con el entonces presidente Ernesto Zedillo inaugurando con toda parafernalia institucional un mural huichol en Paris, mientras que el artista creador Santos de la Torre no fue invitado y los paneles de su mural fueron colocados equivocadamente?

J.C.M: Si, terrible, primero respetar y hacer pública la identidad del creador, sacándolo del anonimato. El arte huichol tiene sus autores y sus representantes importantes con nombres propios, es un trabajo muy importante de conservación de la simbología tradicional en telas de arte con más de 3000 años que representan las más poderosas y ricas manifestaciones de la cultura de México. El desarrollo místico sirve como admiración para que futuras generaciones encuentren un panorama de arte sustentable. En la difusión de cada pieza se incorporan los datos del autor, de su taller y su lugar de origen, también trabajamos con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) para velar por la certificación de cada pieza.

E.C: Me queda claro que ustedes con un proyecto así de consciente, hacen la parte que les corresponde para sumar a la causa del arte y la artesanía mexicana ¿Qué podemos hacer nosotros desde nuestro espacio?

J.C.M: Pensar. La reflexión de ¿dónde estamos parados? es muy importante, voltear a nuestro alrededor y ver que se produce en nuestro propio lugar. Visitar los museos locales, la difusión de arte y artesanía para que la comunidad siga creciendo. Comprar piezas mexicanas, porque más allá de una venta, es apreciar el esfuerzo de un artista y siglos de tradición y cosmovisión reunidos en un bello ejemplar.

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